Cette année là, 1974 première Fiac ! elle s’appelait alors le Premier Salon International d’Art Contemporain, et a ouvert ses portes le 26 janvier dans l’ancienne gare de la Bastille, Dans les allées on pouvait déjà voir Georges et Claude Pompidou fumant des cigarettes toujours précurseurs en matière d’art et avides de découvrir l’art d’avant-garde. Une foire qui existait déjà depuis 1970 à Bâle et qui a toujours conservé sa première place !

Image may be NSFW.
Clik here to view.

2019, avant-dernière année au Grand Palais qui va fermer ses portes fin 2020 pour une phase de grands travaux. L’état ayant acheté à la Mairie de Paris le sous-sol, un deuxième « Louvre » va se construire avec un même concept commercial en sous-sol, un grand espace d’accueil et la création de la « rue des Palais ». L’ouverture du nouveau site est prévue l’année des Jeux Olympiques parisiens.

Voici en images le cru 2019 de cette Fiac qui vient de fermer ses portes dimanche soir (20 octobre) . Trois propositions dans les jardins des Tuileries, à l’intérieur, les oeuvres qui m’ont marquées et les gens qui se bousculent dans les allées, politiques, municipales bientôt ! les artistes très présents, actualité oblige ! Jeff Koons , mais aussi Yan Pei Ming et j’en passe…

Florence Briat Soulié

https://www.fiac.com/

Hors les murs

Grand Palais

Les Gens à la Fiac

BAN – EXPOSITION PHOTOGRAPHIQUE

Par Agnès Bitton

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Si loin de la FIAC, si loin des galeries internationales chic et chères. C’est d’abord une idée formidable de la photographe Henrike Stahl et de la commissaire Marie Benaych, C’est un lieu rare, l’Orfèvrerie à Saint Denis, ancien atelier de Christofle.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

C’est un thème qui bouscule: BAN, comme être au ban, banni, en rupture de ban. Mais aussi comme publier les bans pour un mariage, qui serait l’union de 12 photographes et des jeunes joueurs du Red Star, club de foot mythique.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Et voilà le génie de Marie Benaych, commissaire de cette exposition revigorante: elle a associé à son commissariat ces très jeunes joueurs auxquels elle a confié les textes de l’expo. Sous la houlette de professionnels de l’écriture, cette dernière génération du club de foot mythique s’est exprimée sur les 100 photographies exposées avec une si poétique clairvoyance, tant de violence et d’espoir mêlés.

Surgit l’émotion où on ne l’attend pas. Balbutiés, charriés, jubilés, leurs mots trament une grille de lecture bouleversante du parcours photographique.

Agnes Bitton

BAN – Exposition photographique – L’Orfèvrerie – Saint Denis

Image may be NSFW.
Clik here to view.

18 octobre – 10 novembre 2019

112 Rue Ambroise Croizat,  93 200 Saint-Denis

L’exposition est produite par l’association Imprevues

Commissaires associés d’exposition : les jeunes licenciés, filles et garçons, du club de foot du Red Star FC

Visite guidée sur RV du 19 octobre au 19 novembre / réservation à l’adresse ban@imprevues.com https://www.eventbrite.fr/e/billets-exposition-ban-77650449585?fbclid=IwAR21rajcZAOvpV0C1acrSzzCmTa74gwAfU1i7UROe5y8gmQwUvbcLeFnTaU

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Image may be NSFW.
Clik here to view. English version click here

Les premiers jours d’Octobre à New-York sont fantastiques, la chaleur estivale disparait enfin, le parc se pare de ses plus belles couleurs; la ville est calme; de nouvelles expositions annoncent l’effervescence à venir de Novembre, des foires et des “auctions ». Cette année est davantage réjouissante car nous attendons tous avec impatience la réouverture du MoMa fermé tout l’été.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

A voir à Chelsea, 

Le nouvel espace de la Galerie Pace expose David Hockney & Loie Hollowell 

540 West 25th Street,

L’exposition est amusante et rafraichissante! Hockney s’amuse a peindre la “Normandie” ou la “Normandy” (dit avec l’accent américain!) 

On reconnait nos jolies bâtisses normandes, beaucoup de verdures et des automobiles; ne serait-ce pas un peu cliché ? 

Le but de notre voyage n’est néanmoins pas motivé par la visite de cette petite exposition mais principalement par l’envie de découvrir le nouvel espace de la Galerie Pace ou centre commercial d’art? L’espace est gigantesque, il comprend 8 étages. Personnellement, je trouve que la taille et la disposition de cet espace le rendent impersonnel; nous ne savons pas très bien où nous nous trouvons, dans un musée ? dans un Mall? Cela n’a cependant aucun impact sur la qualité des oeuvres exposées. L’exposition de Loie Hollowell est surprenante de beauté, l’exploration de ces formes a atteint un point culminant, l’association de couleurs est époustouflantes et le nouveau travail sur la matière par ajout de pièces en relief et de sable, sublime. Cela met en valeur l’identité de son travail. L’artiste américaine semble ici complètement immergée dans sa pratique qui lui ait totalement propre. 

Lucas Arruda, Deserto-Modelo chez David Zwirner 

525 West 19th Street 

Petit format et immensité. 

La contemplation de ces oeuvres de petite taille peut être comparé à un voyage surprenant; la peinture a la faculté de nous immiscer complètement dans l’oeuvre; subitement nous faisons face à une immensité. Nous sommes transportés dans un univers sublimé; la trame réaliste – les paysages brésiliens terre natale de ce jeune artiste – se distinguent pleinement. On imagine l’humidité présente dans la forêt amazonienne et ses sons les plus divers. La présence d’infiniment petits coups de pinceaux donnent une puissance difficilement descriptible par le langage ; ses oeuvres sont captivantes et provoquent un réel effet sur le regardeur. 

Ed Clark chez Hauser & Wirth

548 West 22nd Street 

Sublime! Captivant! Déroutant! Il s’agit de la première exposition de l’artiste avec Hauser. 

Les oeuvres exposées sont des oeuvres des années 2000-2013, certains les qualifient de “compositions énigmatiques”. 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

J’adore regarder leur texture en détail, je m’amuse à deviner ses techniques. On distingue des présence arbitraires de scotch, décollé parfois ou encore présent, un cheveu est aussi coincé dans une des taches de couleur. Ces oeuvres sont très prenantes, l’association des couleurs est fantastique. Ce qui est frappant c’est que ces oeuvres riment avec douceur mais simultanément avec puissance;  on pourrait presque parler d’agressivité. Le fait que les toiles soient brutes participe énormément à leur force; force libératrice entreprise par l’artiste qui dans cette série se détache complément de ses compositions horizontales; le pinceau ne suit plus un sens mais s’exprime dans plusieurs directions. 

Richard Serra, Reverse Curve chez Gagosian 

522 West 21st Street

Comment parler de cette installation monumentale? Les installations de Richard Serra sont souvent époustouflantes; celle-ci est “monumentalement” époustouflante. On s’interroge alors entre la limite entre art et construction; question courante plus habituellement au sujet de l’art et le design ou l’art et la mode. Nous sommes complètement captivés par cette unique pièce; bien que notre esprit soit davantage occupé par de nombreuses questions techniques. Comment cette oeuvre a t’elle était transportée? Comment tient-elle? 

Les courbes sont parfaites, tout semble si fluide alors que la matière est si brute. Un silence règne dans cette galerie; cette oeuvre sembler imposer le silence 

Sew your Soul au Rockefeller Center. 

New York n’arrêtera jamais de nous surprendre. L’artiste Lucy Sparrow avec le soutien de Art Production Fund a ouvert un delicatessen temporaire où les New-Yorkais, pas qu’eux d’ailleurs, peuvent s’approvisionner en fruits de mer, en bagels, en sushi, en cupcakes, viande et veggies, mais en peluche !

En 2017, sa Bodega sur la hight line avait eu un succès immense; elle avait été dévalisée dès son ouverture. 
Cette fois-ci, il n’y a pas eu de pénuries ! 

https://www.google.fr/amp/s/news.artnet.com/exhibitions/lucy-sparrow-rockefeller-center-1666675/amp-page

ChaCha Matcha

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Pour une pause énergisante, c’est chez ChaCha Matcha qu’il faut s’arrêter pour prendre un Matcha au Oat Milk.. le melange de l’avoine et du Matcha est d’une incroyable douceur!
Vous avez dit lait d’avoine ?? Oui ! 
Mode, mode, mode… sommes nous bêtes à manger du foin ? 

C’est dynamisant et amusant. Ce café est eco-friendly; aucun des contenants ne sont en plastiques. On aime autant celui de Soho que de Nolita ou de Broadway.

Love you so matcha !  https://chachamatcha.com

Emilie Renault

Le peintre des peintres

Léonard de Vinci, reste incontestablement depuis 500 ans le peintre des peintres, il suscite les plus vives passions !

La seule évocation de son nom est synonyme de superlatifs, le génie, physiquement grand et fort, avait aussi un charisme inoubliable.

A la fois ingénieur et artiste, il fut un homme d’une grande modernité, associant Art et Science, esprit universel, il est également un véritable manager, sachant travailler avec les autres et pratique déjà l’hybridation dans le processus créatif !

Une exposition attendue ! La presse en parle déjà depuis quelques années, les prêts italiens sont l’objet de tractations, prêteront-ils oui ou non ?

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Une absence : le fameux Salvator Mundi, record des enchères de 450 millions $, fin 2017, finalement attribué à l’atelier du Maître, n’est pas présent à l’exposition. Ni le fameux dessin de Saint Sébastien, authentifié par l’expert Patrick de Bayser, dommage ! j’aurais aimé pouvoir le voir entouré des deux autres présentés ! Voir article précédent sur la découverte du dessin de Saint Sébastien classé Trésor National

L’ exposition est divisée en plusieurs thèmes : ombres et lumières, liberté, sciences, sa vie à Milan, à Florence et en France.

Exposition à la Une

Dix tableaux de Léonard de Vinci, sans compter la Joconde, sont réunis au Louvre jusqu’au 24 février 2020, c’est exceptionnel, autour de ces oeuvres sont présentés de nombreux dessins, extraits des codex provenant de prestigieuses collections comme celle de Windsor de sa Majesté Elizabeth II .

Image may be NSFW.
Clik here to view.

L’homme de Vitruve est bien là, quelle émotion de voir ce dessin symbole des proportions idéales du corps humain pour l’artiste et conservé à la Gallerie dell’Accademia à Venise.

Le miroir du Monde

Les deux commissaires pour cette exposition sont les deux conservateurs du Louvre Vincent Delieuvin et Louis Frank, ils présentent exclusivement le Léonard Peintre, celui pour qui la peinture est une science divine capable de recréer le Monde, « Le miroir du Monde » disait Léonard. L’expression est d’ailleurs à prendre dans son acception latine, Speculum Majus, le « Miroir du Monde », c’est-à-dire la somme des connaissances du moment. Léonard de Vinci est autant un homme du Moyen Âge finissant que de la modernité de la Renaissance.

Divine destinée

Ce fils illégitime d’un notaire a eu une vie exceptionnelle, il meurt dans les bras d’un Roi, François 1er, au Château du Clos Lucé où il s’était installé, acceptant l’invitation du roi. Il avait emporté avec lui trois tableaux qui sont son testament artistique et scientifique : La Sainte Anne, le Saint Jean Baptiste et La Joconde, sans oublier ses petits carnets. Peu de temps avant sa mort il rajoutait des coups de pinceau à la Sainte Anne.

C’est son parcours que nous pouvons suivre au Musée du Louvre pendant ces 4 mois.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Apprentissage dans l’atelier du sculpteur Verrocchio

Très tôt on décèle chez lui des aptitudes artistiques, il se retrouve très vite dans le plus grand atelier de Florence chez le sculpteur Andrea del Verrocchio (1435-1488) où il fait son apprentissage. On peut voir dans la première salle, le groupe en bronze Le Christ et Saint Thomas ou l’incrédulité de saint Thomas  1467-1483   L’élève acquiert la maîtrise de la forme, le travail de l’ombre et de la lumière en dessinant les modèles en cire recouverts de draps. Le savant peintre apprend ainsi à maîtriser les effets de la lumière sur les formes, les visages, le corps.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

sfumato & componimento inculto

Après cette première période d’apprentissage, c’est la liberté qui l’emporte, d’abord obsédé par la forme, il se rend compte qu’une forme parfaite donne une oeuvre morte. Il peint l’Adoration des Mages, en dessinant à main levée les personnages, il appelait cette méthode “la composition inculte “ componimento inculto méthode sans limite, hachurée, du dessin qui autorise le sfumato et permet des contours vaporeux. Cette technique a fasciné un artiste dès son plus jeune âge, il s’agit du spécialiste Jacques Franck qui est le seul au Monde à savoir reproduire ce fameux sfumato. Il est aujourd’hui très souvent consulté sur la peinture de Léonard de Vinci que ce soit au sujet d’une restauration ou d’une authentification.

Star des années Renaissance

« les grands génies moins ils travaillent plus ils œuvrent » Giorgio Vasari (1511-1574)

De son vivant , l’artiste est déjà une star, ses tableaux sont mythiques, il sait entretenir un certain mystère autour de lui ! Son premier biographe, Vasari est né en 1510 et publie déjà le mythe de Léonard de Vinci en 1550, il parle de la Joconde, portrait d’Isabelle d’Este, qu’il n’a jamais vue, du fameux sourire énigmatique de Mona Lisa, L’illustre incomprise de André Chastel.

Le plus célèbre tableau du Monde

Ce chef-d’oeuvre a été l’objet d’un vol rocambolesque en 1911, Picasso et Apollinaire ont même été soupçonnés ! Disparu pendant 2 ans il est enfin retrouvé !

Il a été prêté une fois par la France aux Etats-Unis, à cette occasion, André Malraux avait fait le voyage sur le France avec le plus célèbre tableau du Monde. John F. Kennedy a dit d’elle qu’elle était la seconde grande dame que la France nous ait envoyée après la statue de la Liberté.

« La nature commence par les principes et ensuite la réalisation, l’artiste doit aller en sens inverse, il doit observer la matière afin d’arriver aux principes «  Léonard de Vinci

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Une peinture séductrice

L’utilisation de la lumière pourrait nous faire penser au Caravage mais rien à voir avec ses compositions théâtrales, celles de Léonard sont empreintes de douceur, séductrices et mystérieuses. Quand je regarde le saint Jean-Baptiste, je vois bien plus qu’une simple image, la douceur des contours, le fond noir, l’éclairage, le sourire, sacralisent cette représentation du saint. Sa peinture est au coeur de la vie,

« Chez Léonard la recherche est un absolu et il prend le temps qui est nécessaire et si il faut 20 ans pour faire un tableau il faut 20 ans pour faire un tableau . Et si il faut une vie pour en faire 15 , il faut une vie pour en faire 15 Et le calcul était juste puisqu’avec 15 tableaux il semble qu’il soit parmi les tous premiers »   Louis Frank

L’exécution picturale

Pourtant beaucoup d’entre-elles restent inachevées et deviennent ainsi de véritables ressources de connaissances pour les experts. Car il passe un temps fou, des années, sur certaines œuvres comme la Joconde.

Des milliers de petites notes : les codex

Cet homme passionnant, passionné, ambidextre, prenait sans cesse des notes écrites à l’envers, qu’on ne peut lire qu’avec un miroir, il existe ainsi de nombreux écrits de Léonard, les petits carnets qu’il avait toujours dans sa poche et les grands qui se trouvaient à son Atelier où il transcrivait toutes ses expériences. L’Institut possède douze carnets, les codex où il consignait écrits, dessins, schémas…

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Le savant peintre, la peinture est une science

Il veut toujours plus, il veut connaître les lois de la nature et va partir dans une quête de savoir, astrophysique, les plantes, physique, sciences … Sa recherche et sa compréhension du monde à donné lieu aux milliers pages des différents codex Atlanticus à Milan, celui de Windsor qui comprend 600 dessins, 24 prêtés pour l’exposition, deux prêtés par Bill Gates heureux propriétaire du Codex Leicester et l’importante collection française de l’Institut de France, qui comprend les 12 carnets de Léonard de Vinci.

C’est une révolution de l’œuvre picturale, il ne veut pas seulement traduire un mouvement complexe mais aussi exprimer l’âme du sujet, sa spiritualité, reproduite un phénomène physique, un mouvement, le reflet de la lune… il désire absolument tout comprendre.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Un magicien

Léonard de Vinci est un magicien, il est capable de faire tourner les têtes, briller les astres, c’est une autre facette de l’homme qu’on découvre, il devient organisateur de fêtes auprès de Ludovic Sforza, appelé le More, et met en scène la Fête du Paradis pour célébrer le mariage du jeune duc et d’Isabelle d’Aragon. Une fête insensée entre ombre et lumière pour laquelle il recrée une nuit en plein jour,.

La Cène

C’est le More qui lui commande la Cène du réfectoire des dominicains de Milan, malheureusement la fresque s’abîme très vite et subit au cours des siècles de mauvaises restaurations. Ce réfectoire sera pendant un moment occupé par l’armée de Bonaparte, ce qui n’arrange rien.

Une copie d’époque datant de 1506 est présentée dans cette exposition, celle de Marco d’Oggiono, on peut ainsi se rendre compte de la qualité des portraits de trois quarts rompant la tradition milanaise du profil.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Sainte Anne

Ce qui est extraordinaire dans cette exposition, c’est de pouvoir bien sûr voir les peintures, mais aussi de les voir avec des travaux préparatoires, un carton splendide venant de Londres, une dessin de Venise ou encore les réflectographies infrarouge, comme pour La Sainte Anne restaurée, il y a peu ce qui a déclenché des désaccords des spécialistes.

Cela nous donne l’impression de percer à minima les mystères du génie.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Fin

On quitte les salles comme à regret avec un dernier chef-d’oeuvre le Saint Jean-Baptiste.
Quelle expo, quelle fin d’année exceptionnelle à Paris, toutes ces expositions merveilleuses Le Greco, Degas, Toulouse Lautrec, Bacon qui font l’actualité culturelle de la capitale. Je serais curieuse de connaître les sentiments de Jeff Koons aperçu il y a quelques jours à la Fiac sur la qualité de ces chef-d’oeuvres ! Dans 500 ans qu’en sera-t-il de son cadeau?

Florence Briat Soulié

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Extrait Paul Valéry : « Léonard est peintre…

« Léonard est peintre, je dis qu’il a la peinture pour philosophie en vérité c’est lui-même qui le dit, et il parle peinture comme on parle philosophie . C’est dire qu’il y rapporte toute chose, il se fait de cet art, qui parait si particulier au regard de la pensée et si éloigné de pouvoir satisfaire toute l’intelligence, une idée excessive, il le regarde comme une fin derrière de l’effort d’un esprit universel . Peindre pour Léonard est une opération qui requiert toutes les connaissances et presque toutes les techniques,  géométrie, dynamique, géologie, physiologie . Une bataille à figurer suppose une étude des tourbillons et des poussières soulevés, or il ne veut les représenter que les ayant observés avec des yeux dont l’attente soit savante et comme toute pénétrée de la connaissance de leurs lois. Un personnage est une synthèse de recherches qui vont de la dissection à la psychologie, il note avec une exquise précision les attitudes des corps selon l’âge et le sexe comme il analyse d’autre part  les actes professionnels. Toutes choses pour lui sont comme égales devant sa volonté d’atteindre et de saisir les formes par leur cause. Il se meut en quelque sorte à partir des apparences des objets. Il en réduit ou tente d’en réduire les caractères morphologiques à des systèmes de forces et ces systèmes connus ressentis et raisonnés, il achève ou plutôt renouvelle son mouvement par l’exécution du tableau en quoi il recueille tout le fruit de sa fatigue. Il a recréé ainsi un aspect ou une projection des êtres par voie d’une analyse en profondeur de leurs propriétés de toutes espèces » Paul Valéry

Sources :

Grande traversée : Léonard de Vinci, l’insaisissable – France Culture https://www.franceculture.fr/emissions/leonard-de-vinci-linsaisissable-grandes-traversees

Une vie une œuvre France Culture  20 avril 2019 https://www.franceculture.fr/emissions/une-vie-une-oeuvre/leonard-de-vinci-une-poetique-de-linacheve-1452-1519

Bibliographie :

Catalogue de l’exposition sous la direction de V. Delieuvin et L. Frank. coédition Musée du Louvre Editions/ Hazan.

Giorgio Vasari, vie de Léonard de Vinci peintre et sculpteur florentin / éditée traduite et commentée par Louis Frank et Stefania Tullio Cataldo Ed. Hazan

André Chastel L’illustre incomprise, Mona Lisa – Gallimard, 1988

Serge Bramly Historien de l’art et scénariste Léonard de Vinci, une biographie – JC Lattès.

Gonzague Saint Bris L’enfant de Vinci Livre de Poche

Walter Isaacson Léonard de Vinci, la biographie Ed Quanto

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

C’est toute une histoire (art), Pauline Bazignan ! une artiste lumineuse, qui me raconte son parcours, ses recherches, actualité…

Un peu de bio… son parcours

Une histoire simple au premier abord, des études de graphisme et un métier qui s’avèrent très vite insuffisants, une chose essentielle lui manque : un crayon, dessiner. Sans hésiter elle lâche tout, elle est acceptée dans les ateliers de la Glacière, section lithographies, rencontre un premier professeur qui l’enlève dans sa section peinture, ensuite elle passe le concours de l’Ecole des Beaux-Arts, y est admise et là, nouvelle rencontre importante avec Dominique Gauthier et la peinture abstraite.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Inspiration

1997, alors qu’elle se rend au Musée du Jeu de Paume pour voir l’exposition de Emil Schumacher, elle est bouleversée par Lee Ufan qui a lui aussi une exposition au même endroit et reste depuis, très inspirée par le peintre coréen. Comme lui, sa peinture ou sa sculpture s’expriment par un geste, celui répétitif du pinceau pour Lee Ufan, et celui d’un point central avec cette répétition de cercles pour Pauline

Des oranges en porcelaine

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Que cherche Pauline ? Entre sculpture et peinture, elle évolue dans son monde à elle, des évidences qui lui apparaissent au fur et à mesure qu’elle sculpte ses oranges, d’abord en faïence puis en porcelaine ce qui donne un fini plus fin. Un travail de patience qui consiste à prendre une orange, la vider et y couler la porcelaine et obtenir le »dégourdi », cuisson à basse température qu’elle passe au feu, la peau de l’orange brûle et cela donne parfois à la céramique cet aspect de fumée, elle peut y ajouter des pigments de couleurs.

Technique ancestrale japonaise « Kintsugi »

Elle m’explique patiemment la technique japonaise du « Kintsugi » qui consiste à restaurer des porcelaines en les recollant avec une résine qui est à son tour recouverte d’une feuille d’or, L’objet qui était perdu, se transforme en pièce unique et artistique. Pauline prépare actuellement une collection d’oranges en porcelaine qui seront ensuite ornées du savoir de la restauratrice Myriam Greff.

L’eau, les coulures

L’eau qui coule, toujours présents dans ses oeuvres, que ce soit dans la préparation de ses oranges en porcelaine avec un dosage de l’eau très précis et l’eau qui coule sur ses toiles recouvertes des motifs en peinture.

« En chaussons qui semblent de danseuse, la ballerine peint. Elle manie les pinceaux, dans une chorégraphie de tous les possibles – à deux mains, à pleine brassée, en cercle, en ciseaux, en jets. Peindre, c’est d’ordinaire occuper deux dimensions, être « à plat » ; mais Pauline Bazignan, un jour, vit couler la peinture sur une de ses toiles, et, cette petite catastotrophe de la gravité, elle en fit sa force. (…) Marie Darrieussecq (extrait du catalogue de l’exposition De Mémoire Fort Saint André 15 juin / 22 septembre 2019)

Les toiles blanches

Au départ, une toile blanche, d’un tissage très fin, ensuite avec son pinceau , elle appose son point central d’où s’écoule une ligne de peinture. Toujours à partir de ce point, avec son pinceau elle crée des motifs circulaires qui me font penser à l’écorce de l’orange que l’on épluche en tournant autour, encore ce fameux agrume ! une fois que le motif est peint, elle projette de l’eau , comme un lavage de la toile jusqu’à ce que l’eau qui coule devienne claire et qu’elle ne soit plus mélangée de peinture. Reste sur la toile la trace de ce passage, de cet action painting

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Et ainsi, elle enchaîne entre porcelaines et toiles, parfois ornées d’un motif unique ou multiple.

Mais cette histoire…

Il y a quelque temps vient de se terminer sa carte blanche au Fort Saint André à Villeneuve-lès-Avignon, intitulée De mémoire.

Même si malheureusement je n’ai pas pu voir cette exposition, je suis charmée et c’est le mot qui convient par le propos imaginé par l’artiste. Elle a su recréer l’histoire du fort endormi en s’appropriant l’espace avec ses peintures et ses formes blanches.

Pauline Bazignan est très attentive à ce que lui révèlent ces pierres, des graffitis, des traces de peinture… le passage du temps.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Dans la chapelle, perpendiculairement à une fresque représentant un Christ en croix, l’artiste a accroché un tableau où apparait une maternité, la Vierge et l’Enfant se dessinent à nos yeux. C’est étrange car ses peintures s’imprègnent volontiers de l’histoire de ces murs. Toujours cette légèreté qui nous apparait au premier coup d’oeil, mais lorsque nous nous arrêtons et observons ces mouvements, l’image s’anime et nous livre ses secrets

Pauline Bazignan est une magicienne

Pauline Bazignan est une artiste insaisissable qu’il faut attraper au vol, ses peintures sont des énigmes, et celui qui regarde est libre d’en découvrir le sens ou de laisser filer son imagination. Et là comme par magie tout s’éclaire ! Dans cette visite virtuelle, je me retrouve dans la salle des masques, il s’agit d’un univers fantastique reconstitué de mascio (sorcière en provençal). Les masques des sorcières surgissent sur les toiles carrées accrochées aux murs de leur prison, dans cette même tour où elles se retrouvaient enfermées pour délit de sorcellerie.

Dans une autre salle c’est au tour des oranges, des petites sphères blanches sont posées à terre illuminant les dalles gravées de graffitis, qu’on offre aux prisonniers, à savoir qu’il n’y a pas si longtemps le fort était une prison.

Les secrets de l’atelier

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Ce que j’aime et que j’ai la chance de partager avec l’artiste dans son atelier, en dehors du plaisir de voir toutes ces toiles empilées contre les murs, c’est la genèse d’une oeuvre. Des feuilles de papiers, esquisses d’après un tableau historique du Louvre celui de Paolo Uccello La Bataille de San Romano. chef-d’oeuvre de la Renaissance italienne que Pauline Bazignan réinterprète et dont la vision contemporaine se trouve exposée dans le fort de Saint André, ancienne forteresse de la fin du XIVe siècle. L’artiste a utilisé un fond noir pour cette grande toile de plus de 3 mètres de large. Une oeuvre réfléchie et étudiée qui semble pourtant complètement instinctive, les lances des cavaliers prennent possession de la toile. L’abstraction lyrique se saisit avec force du tableau, et le spectateur ne peut s’empêcher de penser à Georges Mathieu et sa série des batailles, celle de Hastings ou la « Victoire de Denain » fresque murale exposée à la Maison de la Radio. Ce tableau a d’ailleurs été choisi par Isabelle de Maison Rouge et Ingrid Pux commissaires de l’exposition Jardinons les possibles à Pantin.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Pauline Bazignan est une artiste qui cache bien son jeu, une fragilité apparente, une oeuvre délicate et poétique en apparence qui ouvre sur une perspective empreinte de symboles et d’une grande énergie.

Florence Briat Soulié

EXPOSITIONS :

Fort Saint André De mémoire Villeneuve-Lez-Avignon

Grandes Serres de Pantin Jardinons les possibles

Carreau du Temple – Galéristes – chez Marie-Victoire Poliakoff / Galerie Pixi

KINTSUGI – Exposition / collaboration Pauline Bazignan / Myriam Gref – 6 au 20 décembre 2019. 5 rue Jacques Callot .

Pauline Bazignan

La vie en rose

Paris la vie en rose interprétée par une jeune argentine Lola Linares , musicienne, rencontrée à la Mairie du 1er à l’occasion de l’exposition Musicadecajas #avemariano. Commissaire : Carla Arigoni à voir absolument ce week-end. Puis prendre les quais passer devant le Louvre, en profitant des merveilleuses images automnales des bords de Seine qui nous entrainent directement vers le Grand Palais pour la nouvelle édition Paris Photo 2019.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Des images dans tous les sens

Toujours exceptionnel de se retrouver sous la verrière avec un ciel radieux et découvrir toutes les propositions des 200 exposants venus du Monde entier.

Des rencontres intéressantes avec Yoshiaki Inoue Gallery qui présente les photos de Keiichi Tahara, on dit de lui qu’il sculpte la lumière, les photos sont en noir et blanc des années 1978-1980 et représentent le danseur Min Tanaka qui vit toujours à Tokyo et danserait au milieu de ses cultures.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

La danse toujours

Galerie RX, je retrouve Denis Darzacq qui me parle de son projet sur la danse, en 2016, il initie en collaboration avec le chorégraphe Thierry Thieu Niang une installation vidéo  La Ronde, cette performance continue à voyager, dans quelque temps elle sera à Brest. https://www.denis-darzacq.com/actu.htm

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Surréaliste

Man Ray très à l’honneur cette année, des photos de l’artiste surréaliste se retrouvent un peu partout, Gagosian en a fait son sujet principal. J’aime beaucoup ses photogrammes, obtenus sans utiliser l’appareil photographique, le sujet est posée directement sur le papier photosensible et exposé à la lumière.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

I love Paris

I love Paris, Suzanne Tarasieve en a fait son leitmotiv avec un soloshow de Juergen Teller, la capitale, les gens, la mode, les gambettes, la vie parisienne et un très beau portrait d’Agnès Varda.

« Pour prendre des photos il faut aimer la vie.. » Juergen Teller

Shanghai

Vu et découvert à Asia Now et aujourd’hui au Grand Palais les photos de Sun Yanchu, M97 Gallery, j’aime toujours cette apparence très dessinée ou peinte de ses oeuvres qui utilise le papier photographique comme support pour dessiner ou peindre ses sujets.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Graphique & décalé

Une cage à oiseau avec à l’intérieur une plante verte, un massacre de cerf, dont les bois sont décorés non pas de boules de Noël mais de rétroviseurs et pourquoi pas ? Chema Madoz aime ces assortiments incongrus, le résultat est très poétique !

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Le moment de vérité

Yannig Hedel (né en 1948) , traque les ombres sur les architectures, cela peut prendre du temps voire des années, pour un motif géométrique que dessine le soleil. Pour le musée Réattu à Arles, il s’est servi de l’Obélisque de la grande place, cela a donné l’Arc de lumière en 2000.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Le temps, les ruines d’une civilisation

Joseph Koudelka (né en 1938) , d’origine Tchèque, membre de l’Agence Magnum, proche de Cartier-Bresson a photographié pendant 20 ans les vestiges archéologiques greco-romains.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Images de mode

Le célèbre couturier des années 80, souvenez-vous des tailles de guêpe, épaulettes et basques des tailleurs de Thierry Mugler qui fait l’actualité culturelle en ce moment avec l’exposition itinérante Couturissime qui est à Rotterdam jusqu’au 8 mars. La Galerie Polka présente ses photographies sous son nom d’artiste désormais depuis qu’il a quitté la mode Manfred Thierry Mugler.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Californie, années 80

Solo show de Jim Goldberg qui a photographié pendant 10 ans à partir de 1980, des jeunes fugitifs à San Francisco et Los Angeles, ce travail d’archives, notes, photos est souvent considéré comme le corpus de l’artiste.

Des fleurs…

Je m’arrête devant les fleurs de Denis Brihat (né en 1928) et en particulier devant ce gardénia immaculé. Jusqu’au 8 décembre on peut voir ses photographies à la BNF De la nature des choses.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Tout le monde m’en parle !

Un arrêt sur les images de Nicolas Lo Calzo (né en 1979) photographe italien qui a créé le projet CHAM, une réflexion et enquête photographique sur l’esclavage, comment cela a pu arriver. L’artiste a été nominé pour le Prix Elysee 2019-2020. Je viens d’écouter sur France Inter un podcast qui me fait penser à ses recherches L’incroyable histoire de l’esclave Furcy qui intente un procès à son maître.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Et pour finir un diaporama

Encore deux jours pour découvrir Paris Photo 2019, passer au rayon livres, de nombreux photographes sont présents pour les dédicaces. La foire fermera ses portes dimanche 10 novembre à 19h. https://www.parisphoto.com/accueil/

Florence Briat Soulié

Par Charlotte Le Grix de La Salle

Il est sans doute, parmi les grand maîtres, celui que l’on croit connaître alors qu’on ne le connaît pas. Ou si mal.

El Greco ?

Mais oui, bien sûr, la Renaissance espagnole flamboyante ! Non. Longtemps, ses oeuvres sont restées sous la poussière, dans les couloirs du Prado, quand Velàsquez et Goya étaient célébrés.

Non. Il n’est pas Espagnol.

El Greco, de son vrai nom Domenikos Theotokopoulos, est Crétois.

Un rebelle, inclassable

Il a peint en Grèce, puis à Venise, à Rome, et finalement à Tolède. Emigré, étranger, citoyen du monde avant l’heure, il absorbe les chocs esthétiques autant qu’il les crée, il critique et trompe son monde, il mue sans cesse, tente sa chance, réinvente encore et encore.

Alors que dans L’Assomption de la Vierge, aujourd’hui louée comme oeuvre majeure et placée magistralement au centre de l’exposition, on voit la parfait synthèse d’un Titien, d’Un Tintoret et d’un Michel-Ange, El Greco est un rebelle, inclassable. Un cas. Un avant-gardiste.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

1ère rétrospective en France

Pourquoi aura-t-il fallu attendre si longtemps pour jouir de la première grande rétrospective jamais consacrée à El Greco en France ?

Ce serait oublier que ces huiles du XVIème Siècle sont extrêmement fragiles et dispersées dans le monde. Quasi impossible de les faire voyager : cette exposition, qui rassemble 75 oeuvres, est un exploit. On y voit les icônes de ses débuts, des sculptures et des dessins, oeuvres rarissimes. Nous allons donc faire des allers-retours et vivre une rencontre.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Les icônes

L’iconiste. Il faut commencer par là. El Greco, dans sa Crète natale, est un artiste doué mais conventionnel. Il reproduit, sur commande, ces icônes, imageries religieuses aussi précieuses que convenues. Dans une scénographie en couloir et blanche comme les murs des villages grecs, voulue pour mettre en valeur son cheminement et l’apparition de son incroyable audace, se détachent au départ ces icônes.

El Greco est d’abord un puriste, qui maîtrise parfaitement les codes de la religion et de sa représentation. Nous sommes en plein Concile de Trente, la question de l’image est au coeur de toutes les réflexions. Il s’applique.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

et bien plus tard…

Image may be NSFW.
Clik here to view.

L’apprentissage

Il quitte la Grèce à 25 ans, sans que l’on sache vraiment pourquoi, et Venise sera un choc. Le Titien et ses couleurs, un  nouveau langage. Mais nous sommes encore à l’heure de l’apprentissage, des miniatures et de la tradition. El Greco la respecte et apprend. On sait aujourd’hui, grâce aux livres annotés de sa main, à quel point il fréquente les bibliothèques et enrichit son savoir.

Mais il ne s’en contente pas. El Greco recherche l’aisance financière et se place, tout en écrivant sa singulière trajectoire. Du Palais de Farnèse, où il avait réussi à se faire recommander, il se fera chasser. Parce qu’il avait suggéré de repeindre la Chapelle Sixtine, le Pape étant fâché par certaines scènes de Michel-Ange bien trop évocatrices.

Jalousie ? Flagornerie ?

Cela le mènera à Tolède en 1576, où il trouvera enfin suffisamment de commandes et assez peu de concurrence pour libérer à la fois son appétit financier et sa liberté artistique. Sa carrière de portraitiste s’envole : il en a les codes, cette tendance maniériste qui allonge les visages et flatte les clients et déjà, cette acuité psychologique hors du commun.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

C’est à Tolède également qu’El Greco va laisser exploser son talent de coloriste. Baigné de la lumière grecque, nourri par Le Titien, adoubé par les Espagnols, il peut s’offrir le monumental, et même l’extase. Et la couleur devient le véhicule de tout le reste.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

L’aventurier

Comme tous les génies, El Greco fait partie de la famille des oubliés : des siècles jusqu’à ce qu’à la fin du XIX ème Siècle, les écrivains, les avant-gardes voient à la fois cette subime  tradition et sa modernité. Dans ses couleurs, dans ses mues, dans le grandiose qu’il assume, dans ses intentions, il y a tout du Crétois, de l’aventurier, de l’humaniste plus que du mystique.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Finalement, sans doute était-il un bandit de l’art, l’un de ces franc-tireurs qui traversent les Siècles.

https://www.grandpalais.fr/fr/evenement/greco

Commissaire : Guillaume Kientz, conservateur de l’art européen, Kimbell Art Museum, Fort Worth, USA

Commissaire associée : Charlotte Chastel-Rousseau, conservatrice de la peinture espagnole et
portugaise, musée du Louvre, département des Peintures
Commissaire de l’exposition à l’Art Institute of Chicago : Rebecca Long, Patrick G. and Shirley W.
Ryan Associate Curator of European Painting and Sculpture before 1750, The Art Institute of Chicago,
Chicago, USA
Scénographie : Véronique Dollfus

Par Gilles Kraemer & Antoine Prodhomme / http://www.lecurieuxdesarts.fr

Au Carrousel du Louvre.

Dédié aux Beaux-arts, créé par les organisateurs de l’incontournable Salon du dessin, Fine Arts Paris 2019 présente 46 exposants (43 l’année passée) dont dix nouveaux marchands parisiens et internationaux. Parcours dans les allées pour des choix très cornéliens dans cette 3ème édition. Le vernissage du 12 novembre fut très connaisseur & très acheteur, faut-il le souligner. 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Anton Maria Vassallo (Gênes, circa 1615 – Milan circa 1657), Chien, chat et hérisson autour d’ustensiles en cuivre. Huile sur toile. 36,7 x 58,3 cm. Bibliographie totalement inconnu. Galerie Canesso, Paris.

Tableau représentatif de l’esprit de Fine Arts Paris. Ce que j’attends d’un salon du « connoisseur ». Du vrai connaisseur.  Ici, la semelle rouge et le bronzage automnal ne s’affichent pas dans les allées du Carrousel. Dans la lignée de feu Paris Tableau qui de 2011 à 2015 fut l’incontournable rendez-vous de 24 à 26 marchands de tableaux anciens installés dans l’intimité du Palais Brongniart. Une réputation immédiate de sérieux, niveau TEFAF peintures anciennes Sa dilution dans l’immensité du Grand Palais lors de la Biennale des antiquaires de 2016 et sa tenue en 2017 à la Patinoire royale de Bruxelles (21 participants) signèrent irrémédiablement sa disparition. 

Ce Vassallo est une toile faite pour la collection d’un « vrai » amoureux de la peinture.  Anton Maria Vassallo s’est formé auprès des peintres flamands qui avaient fondé une colonie importante à Gênes dans la première moitié du XVIIe siècle. Le chat recroquevillé sur lui-même, épiant, est comme une signature de l’artiste. Nos trois animaux posent sans se préoccuper de l’autre; le chien regarde vers la gauche, le hérisson paraît se recroqueviller dans une position de défense. Ils insufflent du dynamisme à côté des objets inanimés dont le broc en cuivre au centre, stabilise toute la composition.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Lelio Orsi (1508 ? – Novellara – 1587), Trois personnages drapés. Plume et encre brune, mise au carreau à la pierre noire et à la sanguine ; collé en plein sur un montage ancien. 20,5 x 21,6 cm.. Inscrit sur le montage au recto à la pierre noire « Parmaginnino »; au verso à la plume et encre brune « Mazzola, o vero / il Parmigianino » / Galerie Ratton-Ladrière.

Autrefois attribué à Parmesan, ce dessin est en fait caractéristique d’Orsi. Il est probable qu’il soit en rapport avec la décoration du Casino di Sopra à Novellara, propriété du comte Camillo Gonzaga, que Lelio Orsi entreprend à partir de 1558. Le décor, complexe, mêlait allégories encadrées de cariatides et télamons (en grisaille), figures de divinités et bustes dans des niches, tympans au-dessus des portes ornés de figures en raccourci et de « cuirs ». 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Vincenzo Catena (Venise, circa 1480-1531), Portrait de femme avec une médaille dans la main. Huile sur panneau.  57 x 48,8 cm.. Genève, collection Michele Bertecco Schaub ; 1997, Lugano, collection particulière. Galerie Canesso, Paris.

Le sujet est mystérieux et étonnant, en quelque sorte indéfinissable : le titre Portrait de femme est donc une solution de repli, en attente de déchiffrer l’idée qui le sous-tend.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Giovan Battista Gaulli detto Il Baciccio (1639 – 1709) Repos durant la fuite en Égypte ou Allégorie du Christ triomphant du paganisme, vers 1695. Huile sur toile. 66 x 49 cm.. / Galerie Terrades.

Né à Gênes, Giovan Battista Gaulli y reçoit sa première formation avant de se rendre à Rome vers 1657 où il devient rapidement le protégé du Bernin. En 1666, la commande de la décoration de l’église Santa Agnese indique le début de son activité de fresquiste qui culminera avec la réalisation de la décoration de l’église du Gesù entre 1672 et 1677, le plus impressionnant décor baroque religieux à Rome. L’avènement d’Innocent XII en 1691 marque le déclin du grand mécénat pontifical : Gaulli se tourne alors vers les collectionneurs privés pour les commandes de décors religieux mais aussi de portraits. C’est durant cette décennie 1690-1700 que Gaulli semble avoir reçu la commande d’une grande pala d’altare représentant Le Repos durant la fuite en Egypte comme allégorie du Christ triomphant du paganisme. L’originalité de cette composition est d’associer un Repos durant la fuite en Égypte et une Allégorie du Christ triomphant du paganisme. Ce bozzetto ferait ainsi office de lien entre un dessin conservé au British Museum et la pala d’altare, perdue ou non exécutée.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Luc Olivier Merson (1846 – 1920) attribué à, Étude d’une figure de saint, circa 1880. Huile sur toile. 41,5 x 33 cm. / Galerie Charvet.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Livio Agresti (Forli 1505 – Rome, 1579), La Vierge à l’Enfant, saint Jean et un ange musicien.. Huile sur panneau de noyer. Restaurations anciennes. 22,5 x 18,3 cm.. Ancienne collection Sylvie Béguin (1919-2010) / Galerie Antoine Tarantino © photo Le Curieux des arts Gilles Kraemer.  

Livio Agresti appartient au courant maniériste autour de Trometta et des Zuccaro. Originaire de la région émilienne, il a travaillé à Rome, au château Saint-Ange avec Perino del Vaga. Il a peint plusieurs cycles de fresques dans des églises romaines et des retables pour la Romagne et l’Ombrie. Ce modello a été daté de la décennie 1570, probablement en vue d’un tableau d’autel non retrouvé. On y reconnaît la gamme colorée maniériste de violet, rose, jaune et vert pale de ses grands formats.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

François-André Vincent (Paris 1746 – 1816) Arria et Paetus, vers 1787. Huile sur toile. 102 x 124,5 cm.. Porte deux anciennes étiquettes : en bas à gauche : n° 34 et en bas à droite n° 73. Collection Julien-Victor Veyrenc (1756-1837), puis par descendance jusqu’à nos jours / Galerie Perrin. 

Condamné à mort pour s’être rebellé contre l’empereur Claude en l’an 42, Paetus est exhorté par son épouse Arria à se suicider avec honneur, de la pointe de sa dague. Pour affermir sa détermination, cette dernière se poignarde avant de remettre sa dague à son époux. La lumière vive et oblique accuse la véhémence d’Arria, debout, dans un profil strict, tendant le poignard. A la cascade du lourd drapé orange qui l’enveloppe répond le corps avachi de Paetus vêtu des couleurs froides que sont le vert de sa tunique et le bleu de son manteau.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Joseph-Ferdinand Lancrenon (1794 – 1874) Borée enlevant Orythie, 1821-1822. Huile sur toile. 41 x 33 cm.. Œuvre en rapport Borée enlevant Orythie, plafond pour un salon de l’appartement de la duchesse de Berry au pavillon de Marsan (Montargis, musée Girodet) / Galerie Terrades.

En 1821, Joseph-Ferdinand Lancrenon reçoit la commande d’un tableau destiné à décorer le plafond d’un des salons de l’appartement de la duchesse de Berry au pavillon de Marsan du palais du Louvre ; sujet imposé celui de Borée enlevant Orythie. Borée, le dieu du vent du nord, se voit refuser trop longtemps la main de Orythie par son père, Erechthée, roi d’Athènes. Il cède alors à une colère noire et enlève Orythie au milieu des airs. Ce tableau est l’esquisse définitive de l’œuvre, probablement destinée à être montrée au comte de Forbin, directeur des musées royaux et à l’origine de la commande.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Fedele Fischetti (Naples 1732-1792), Séléné et Endymion, entre 1770-1780. Huile sur toile, 64 x 77,3 cm. Bibliographie inédit.. Galerie Canesso, Paris. 

Fedele Fischetti s’est formé à Naples, avec Giuseppe Bonito (1707-1789). Tout en exposant un style inspiré du barocchetto, il s’orienta vers une veine classicisante pour s’actualiser sur les modes picturaux alors en vogue à Rome. La composition s’inspire d’Ovide et évoque les Amours des dieux : la déesse de la lune, Séléné, s’est éprise du beau et jeune berger, Endymion. Elle demande à Zeus de plonger son bien-aimé dans un sommeil éternel afin de préserver sa beauté. Le cadrage serré, en gros plan, nous fait entrer dans l’intimité de cette scène, silencieuse et plongée dans la semi-pénombre de la nuit, douce et vaporeuse, ce qui donne à la composition un caractère onirique. Les verts, roses et blancs des drapés prennent des tons nacrés dans les valeurs claires imprimant une saveur suave à ce duo amoureux. 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

galerie Antoine Tarantino © photo Le Curieux des arts Gilles Kraemer, Fine Arts Paris, 12 novembre 2019.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

A voir aussi le tableau de François-Auguste Biard-1799-1882) représentant L’Hôpital des fous à Lyon, exposé au Salon de 1833, présenté par la Galerie de Bayser rappelant La leçon clinique à la Pitié Salpétrière par André Brouillet, vers 1887, exposé au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme à l’occasion de l’exposition « Freud du regard à l’écoute ».

Fine Arts Paris franchira la Seine pour sa 4e édition en s’installant dans la cour du Dôme des Invalides, face à la place Vauban, à l’automne 2020. Ce nouvel espace permettra d’accueillir entre 65 et 70 exposants contre 46 aujourd’hui. Le Salon du dessin se tiendra du 25 au 30 mars 2020, restant heureusement au Palais Brongniart. S’il partait de ce lieu, il y perdrait totalement son âme.

Les nuits de Pigalle

On en perd la tête dans ce tourbillon de froufrou,  jupons volants  de cette vie parisienne des quartiers de Pigalle, si chers à ce jeune homme  consciencieux et assoiffé, d’une envie d’apprendre, de laisser libre cours à  son interprétation personnelle de la peinture.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Une frénésie artistique s’empare de la ville cet automne, et cette exposition Toulouse Lautrec en fait partie, il appartient à cette vie parisienne de la belle époque si bien illustrée par le film Moulin Rouge de John Huston en 1952. Ce lieu emblématique de Pigalle où l’artiste passait une partie de son temps, là où il a pu croquer à loisir les personnages dont la célèbre Goulue !

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Naissance à Albi, apprentissage

Issu d’un mariage consanguin, il est très petit et mesure 1,52 m, il souffre d’une maladie osseuse et, immobilisé par ses fractures, il cherche à passer le temps et il dessine, il réfléchit à sa future vie.  

Direction la capitale, à toute allure, Toulouse Lautrec s’affirme et enregistre  les enseignements de ses maîtres.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

« Vive la révolution, vive Manet ! »

Il suit l’enseignement de Fernand Cormon (1845-1924) où il apprend  le dessin, à jouer avec la lumière. Cormon pousse ses élèves à sortir de l’atelier et s’enquérir des nouvelles tendances, découvrir les différents mouvements, comme l’impressionnisme. Longtemps considéré comme le maître, parmi d’autres, de l’académisme et des Pompiers, l’atelier de Cormon était à l’inverse la matrice de la modernité. Il faut voir au Musée d’Orsay le « Caïn » qui a établi sa réputation, premier tableau naturaliste et anthropologique, digne de la « Guerre du Feu ».

Mais le jeune Henri de Toulouse Lautrec est surtout très tenté par le naturalisme rural, puis il voit Manet et déclare en 1884, « Vive la révolution, vive Manet ! »

Il adore poser pour ses amis photographes, il se déguise en femme, en japonais, en clown triste, c’est pour lui un moyen d’expression très stimulant.  

20 ans avec ou sans votre permission !

Il ne manque pas d’humour, en 1884 il désacralise le « Bois sacré », de Puvis de Chavannes, il en fait un tableau fort amusant, des anges passent, porteurs d’un tube de peinture, les hommes en haut de forme discutent, les femmes nues en muses prennent la pose, lui même vu de dos urine contre un arbre. Il a à peine 20 ans et impose sa conception moderne de la peinture. Avec lui ce sera différent.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Adieu la peinture d’histoire, l’artiste conserve le grand format, mais cette fois-ci il prend comme thématique le quotidien. La pendule est la pour le rappeler il casse le mythe d’un monde divin en signifiant le temps qui passe !

Une volonté à toute épreuve

Une chose est sure, il veut être artiste !

Et pour y arriver, il est primordial à Paris d’exposer au Salon , un premier portrait est refusé, même si son travail est encore très académique, on remarque déjà un trait très libre.

La modernité de Lautrec passe par les femmes

Il croise sur son chemin Carmen Gaudin, une belle rousse, elle le fascine et devient son modèle attitré, lorsqu’elle cesse de se colorer les cheveux, il ne s’intéresse plus à elle.

Il tourne autour de son modèle, tout l’intéresse, il veut capturer comme le photographe ou le cinéaste, le mouvement, telle ou telle posture du corps, visage.. tout est très important, il veut saisir la personnalité, le caractère de cette femme qui le séduit tant.

Il adore Montmartre, ses dessins sont montrés, publiés dans les journaux, il aime cette reconnaissance.

Toujours ce souci d’exposer, d’être reconnu, il est ambitieux et travaille énormément avec des dessins préparatoires ces tableaux. Enfin la consécration, en 1888, il est repéré par Théo Van Rysselberghe qui adresse un mot à Octave Maus pour présenter son travail au Salon des XX, à Bruxelles, manifestation alors, très avant-gardiste. Bruxelles est déjà la capitale artistique en miroir de Paris, où s’élaborent les premières expériences, les premiers essais : la poésie avec Maurice Verhaeren, Maurice Maeterlinck, la musique avec Eugène Ysaïe, les tableaux de James Ensor ou les premières demeures de Victor Horta. Ce n’est pas par hasard si Rodin y séjourna entre 1871 et 1877.

Au cirque

Au cirque Fernando : écuyère 1887-1888 . Cette scène de cirque conservée à Chicago est une prise de risque esthétique, le cadrage photographique, le mouvement du cheval, vu en contre plongée, la force de la silhouette d’homme, le visage de l’écuyère grimaçant avant de sauter l’obstacle. Une œuvre très moderne.

Et les hommes

Il peint des portraits d’hommes prêts à sortir, en habit  très souvent, la porte est ouverte. Sur ce modèle, il fait celui de son cousin Gabriel Tapié de Céleyran avec qui il est si proche , étudiant médecine, il l’accompagne partout. A la mort du peintre, il va faire en sorte que le fonds d’atelier soit donné à un musée, celui-ci sera refusé par le musée du Luxembourg, la BNF accepte les lithos et c’est la ville d’Albi qui acceptera la collection et devient ainsi le plus grand fonds de l’œuvre du peintre. 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

La Revue Blanche, Misia…

Toulouse Lautrec est un merveilleux convive, il fait la connaissance du couple Natanson, La Revue Blanche, il est aussitôt sous le charme de Misia, muse des artistes, écrivains… Le couple reçoit beaucoup et les soirées sont follement amusantes, Toulouse Lautrec, est le premier à organiser ces fêtes, et n’hésite pas à se transformer en barman. Il peint Misia à plusieurs reprises et la représente en patineuse sur l’affiche de la Revue Blanche. Misia est ainsi son inspiratice, « l’accoucheuse des génies ». Elle a été peinte et célébrée par les plus grands artistes de son temps : Renoir, Vuillard, Bonnard, Vallotton et bien sûr Toulouse-Lautrec …  Il faut lire (ou relire) la biographie de Misia par les historiens américains Arthur Gold et Robert Fizdale (Folio – 1980) pour comprendre son importance dans l’histoire de l’art moderne. La première de couverture est d’ailleurs son portait par Toulouse Lautrec.

Les affiches – Pub !

Qui ne connaît pas La Goulue, encore aujourd’hui, grâce aux affiches du Moulin Rouge de Toulouse Lautrec, elle fait partie de l’iconographie parisienne. Pour les concevoir, l’artiste réfléchit au point qu’il veut mettre en valeur; Au Moulin Rouge, il est toujours possible de voir une pièce dédiée aux affiches du peintre.

Le jupon blanc de la goulue, le lettrage rouge, très précurseur, il comprend l’impact des affiches.

Aristide Bruand avec son écharpe rouge, son chapeau, une silhouette très reconnaissable. 

Lautrec expose les étapes de tirage, le processus créatif fait partie de son œuvre.

Un lecteur passionné

Toulouse Lautrec est très cultivé, il lit beaucoup, Zola, et est très intéressé par le travail des Goncourt, ces dernier n’apprécient pas du tout le peintre et refusent que leur ouvrage soit illustré par lui !

La revue blanche très avant garde va lui permettre de rencontrer Jules Renard , il va illustrer NIB avec beaucoup d’ humour et une liberté inimaginable aujourd’hui. 

Il étudie l’art du Kabuki pour représenter  Yvette Guilbert, ses gants noirs si reconnaissables sont comme des calligraphies sur le dessin.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Toujours les femmes, la danse, les rencontres

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Celle de la danse, le Cancan venu d’Angleterre, le jeu des jambes « la Roue » mouvement du jupon très cinétique. Il insiste, et la merveilleuse Jane Avril, finalement accepte de poser pour lui après les spectacles.

« Jane Avril » 1899 Affiche, lithographie en couleurs, pinceau. Paris, BNF

Il tombe sous le charme de Loïe Fuller, ce ne sera pas réciproque et représente la danseuse américaine avec ses voiles ses bâtons, cette performance tellement nouvelle, qu’il ne peut être que captivé comme Rodin et certains écrivains 

Une autre rencontre, celle de l’anglaise du Star, il fait d’elle une œuvre de toute beauté, l’artiste restitue toute la luminosité de cette femme 

On sent présence de Degas , dans le japonisme aussi.

Internement

L’alcool, les femmes, la maladie, rien ne va plus !

Il est interné injustement sur décision de ses parents et pour prouver qu’il a toutes ses facultés intellectuelles il va redessiner de mémoire toute une série de dessins et va pouvoir sortir de cet enfer.

Une vie trop courte

Lautrec acquiert une vraie liberté.

Vers la fin de sa vie la matière devient forte, les couleurs : rouge vert et noir annoncent le fauvisme, les mains très expressionnistes, on pressent ce mouvement de l’expressionnisme, sur l’un des derniers tableaux représentant Paul Viaud, un de ses proches.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Lautrec est en train d’évoluer il a 36 ans et malheureusement il meurt si jeune à 37 ans. Marquant à jamais Montmartre de son passage. Nous sommes emportés par le tumulte de l’exposition qui reflète l’énergie trépidante de Toulouse Lautrec. Un homme ébouriffant, qui s’immerge dans le Paris de la fin du XIXème siècle, capitale du siècle. Un artiste résolument moderne qui montre tous les marges de la société, met en scène les femmes et se travestit, faisant fi de l’identité sexuelle.

Contexte historique / Affaire Dreyfus

Pour comprendre le flot de l’exposition, et la modernité de Toulouse Lautrec, il faut également se rappeler le contexte politique, économique et social de la France de la IIIème République, où le régime n’est jamais définitivement installé, la fragilité congénitale d’une République menacée par les monarchistes et par les socialistes (tiens, cela nous rappelle quelque chose en ces années 2020 ?), la contestation sociale violente (la fusillade de Fourmies le 1er mai 1891), les attentats anarchistes, enfin, last but not least, l’affaire Dreyfus, qui divise les artistes et les intellectuels. Par un curieux paradoxe de l’artiste, ce contexte ne se reflète pas dans l’oeuvre de Toulouse Lautrec mais en est-on si sûr ? Ne représente-t-il pas précisément l’envers du décor du théâtre politique et social : le cabaret, les chansonniers, les maisons closes ? Une nouvelle fois, tout est question de miroir chez lui.

Peintre réaliste, social ?

Toulouse Lautrec n’est pas le peintre de la vie facile et de la vie de plaisir. Les tableaux montrent à voir parfois la solitude, la tristesse ou la marginalité, et l’on pense à ce tableau de Degas, « L’Absinthe » (1875). Le café représenté par Degas où posent les deux amis est le café de la Nouvelle Athènes, place Pigalle, à quelques mètres de Montmartre et du Moulin Rouge. Il y a là comme une étrange résonance entre Degas et Toulouse Lautrec. Mais est-il pour autant un peintre social ? Toulouse Lautrec s’intéresse à un Paris où se côtoient l’aristocratie, la bourgeoisie et le « petit peuple », le populo minuto. Il ne verse pas pour autant dans la dénonciation facile car il connaît les codes de la société de la fin du XIXème siècle. Il décrit une société marquée par une forte inégalité des patrimoines, aux hiérarchies encore très rigides, mais également une société qui tolère des lieux de « mélange » ou de brassage social, le temps d’une revue ou d’une chanson.

Stefan Zweig décrit avec nostalgie ce « Monde d’hier »

Malgré ses inégalités, la société française de l’époque se voit comme un modèle d’équilibre et de diversité. Stefan Zweig décrit avec nostalgie ce « Monde d’hier », une société sans préjugés qui est aussi celle de Toulouse Lautrec :  » Le garçon de café serrait la main d’un général galonné comme à un collègue ; de petites bourgeoises actives, sérieuses et propres ne faisaient pas la grimace en rencontrant la prostituée dans le corridor. » Toulouse Lautrec est ainsi très loin des qualificatifs de « peintre de Montmartre » et du Paris de la Belle Epoque auxquels on souhaite trop souvent le réduire ou le cantonner.

En paraphrasant Napoléon, nous pourrions conclure par : « quelle vie fut la mienne ! « 

Florence Briat Soulié.

INFORMATIONS

Toulouse-Lautrec Résolument moderne

9 octobre 2019 – 27 janvier 2020

https://www.grandpalais.fr/fr/evenement/toulouse-lautrec

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Toulouse-Lautrec, catalogue d’exposition

Commissariat : Stéphane Guégan, Conseiller scientifique auprès de la Présidence de l’établissement public des musées d’Orsay et de l’Orangerie ;

Danièle Devynck, Conservateur en chef, Directrice du musée Toulouse-Lautrec, Albi

Scénographie : Martin Michel

By Jacqueline Knox

Antony Gormley – Royal Academy of arts

Last days : until 3 December

Antony Gormley is an internationally renowned sculptor. In this exhibition at the Royal Academy London we are invited to explore our relationship to the sculpture in a series of encounters. In the words of the artist

Image may be NSFW.
Clik here to view.

“.I want to use sculpture to throw us back into the world, to provide this place where the magic, the subtlety, the extraordinary nature of our first- hand experience is celebrated, enhanced, made more present”. ( copyright Royal Academy , London).

Image may be NSFW.
Clik here to view.

On entering the first room we encounter ‘hard-edged steel slabs’ laid out in various ways. As we walk around this room these slabs reveal themselves to become human bodies lying, standing and curled up . Similar to the Iron Baby, 1999 in the courtyard there was a fragility to the curled up figure despite being made of hard edged steel. These early works ( late 1970s and early 1980s) in the first two galleries enable us to see the thinking and development behind his later work. I was drawn to a lead sculpture of a wrapped knife. Lead is malleable as a medium but it also concealed the knife. Only on closer looking could you see the form. This technique of wrapping and beating sheets of lead would develop further to his later work of casting and wrapping his own body. 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Gallery 3 housed 8 kilometres of coiled steel.Clearing VII, On entering the space we were able to explore it, walk inside and even touch it. Once inside this coiled spring it was possible to experience the intensity of it. Rather similar to a child’s intense scribbling and reminiscent of Giacometti’s sketches, one had the feeling that removing the roof would result in the spring escaping upwards forthwith. Maybe this was a reflection of how I was feeling but the spring was both ethereal and strong at the same time and bound by tension.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Heading out of Gallery 3 was Co-ordinate VI , a tense wire connecting 4 galleries and an ‘escapism’ of Clearing VII and Dense Matrix III. Gallery 5 was empty apart from this thin piece of extended wire but it reminded me of a tense tightrope which could be a metaphor for life. 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Gallery 6 is full of drawings and preparatory works. Gormley always carries a workbook and here they were, spanning four decades. This was a highlight for me to see his workbooks and appreciate the thought processes and the working out that had gone into the work. Also, to see something as complex as Clearing VII begin as a series of tiny sketches was just exquisite. 

Gallery 11 housed Cave, 2019. Reminiscent of Richard Serra’s work , was a huge bronze sculpture on an architectural scale. Despite being claustrophobic I chose to enter the Cave. Inside I was rewarded by the play of light arriving through the sculpture from above and reactions from those alongside me whom I could not see. The structure itself is on an architectural scale of a body lying on its side, reminiscent of the bronze baby in the courtyard and the sculptures in the first gallery. 

After this heightened sensory experience we have Host 2019. A room full of seawater, not processed tap water, that is part of the natural order of things. This room of water, obviously reflective, reminded me of a flood and no doubt the beginnings of life itself. A very philosophical and reflective piece. 

Image may be NSFW.
Clik here to view.

In the words of the artist “ this exhibition is all about how the viewer responds to the work and the subject is the viewer”. I found this to be true as I was drawn to intimate, fragile drawings, scribbles full of space and a room empty except for the seawater.
If you are in London this weekend …go. You may learn a little bit about yourself.

Royal Academy of Arts

To visit also

Tate Britain

Image may be NSFW.
Clik here to view.

William Blake (1757-1827)

11 September 2019 – 2 February 2020

« Painting is drawing on canvas & engraving is drawing on copper and nothing else drawing is execution & nothing else &he who draws best must be the best artist » William Blake 1809/1810

JMW Turner’s modern World

28 October 2020 – 7 March 2021

How J.M.W. Turner broke with convention to paint the times in which he lived

Henry Moore

Image may be NSFW.
Clik here to view.

https://www.tate.org.uk/visit/tate-britain

ORDOVAS GALLERY

Peggy Guggenheim and London

24 september – 14 december 2019

https://www.ordovasart.com/

Folie à Chaumont sur Loire

Les forêts, les grottes d’Eva Jospin..  des mots qui résonnent et m’entraînent dans ces féeries que l’artiste nous invente depuis les Beaux-Arts puis son passage à la Villa Médicis.  Eva Jospin crée de véritables folies dans le sens artistique du XVIIIème siècle, ses créations sont d’inspiration végétales, avec du béton, du carton, des matériaux pauvres auxquels l’artiste donne une nouvelle noblesse.

Qui est-elle

Mais qui est Eva Jospin ? Cette jeune femme, sous une fragilité apparente, un visage de la renaissance florentine, déterminée, elle n’arrête jamais.

Des expositions au Palais de Tokyo, à Chaumont sur Loire, en Allemagne… et, pendant la Fiac 2016, au Louvre. 

Souvenir 2016

Dans la cour carrée du Louvre, je me souviens de ce panorama, de cet enchantement  en pénétrant dans la forêt , une œuvre en 3 dimensions, qui nous enveloppait et, ainsi, nous devenions, acteurs d’un monde réel ou imaginaire. Une expérience immersive unique où la forêt vous entoure avec ses lianes, ses ligatures et les cimes des arbres. La filiation et l’hommage à Hubert Robert étaient présents dans ce panorama qui se voulait aussi un diorama et un panoptique, dans l’esprit des encyclopédistes et des philanthropes. L’installation, posée au milieu de la cour carrée du Louvre, résonnait étrangement par ses reflets de ses façades (derrière lesquelles résidait Hubert Robert) et ses concrétions de fausses roches en carton.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Ce fut un voyage dans le temps, dans cette forêt en carton au centre du palais royal du Louvre. Une expérience de la nature dans la ville, les arbres essentiels, Eva Jospin les sculpte, elle cisèle les petites brindilles minutieusement comme un orfèvre, le carton ordinaire est extraordinaire . Un décor théâtral qui donnait à penser sur l’illusion du pouvoir, sur les jeux de reflets et sur la fonction politique de l’art, en particulier en France, pays où l’Etat culturel est un paradigme.

Toujours, dans son œuvre, de multiples facettes éclairent nos pensées, des contes de fée de notre enfance resurgissent, la forêt de la belle au bois dormant ou celle du Petit Poucet ? l’iconographie de l’histoire de l’art ou la réalité plus grave de la destruction des arbres. 

Londres

Paris – Londres, y retrouver l’artiste Eva Jospin.  Sa présence se concrétise dans le paysage artistique anglais. Aujourd’hui pour un talk devant un parterre de collectionneurs , réuni par Marie-Laure de Clermont-Tonnerre pour son cercle Spirit Now London puis en mars prochain, ses arbres, qui, en France, lui attirent la reconnaissance du public feront partie de l’exposition de la Hayward Gallery Among the Trees, Ralf Rugoff, son directeur charismatique, commissaire de la Biennale de Venise, est présent dans l’assemblée.

La forêt est devenue aujourd’hui une célébrité dans notre monde contemporain. Eva Jospin a pressenti ce mouvement de la société, La Vie secrète des arbres de Peter Wohlleben est devenu un best seller. La fondation Cartier expose sur Nous les Arbres et les pays riches se mobilisent contre déforestation de l’Amazonie. Le Rêveur de la forêt du musée Zadkine expose la Forêt noire d’Eva Jospin en bronze, autre matériau de prédilection. Les forêts d’Eva Jospin renvoient au mythe fondateur de la forêt « sombre et obscure » pour reprendre les premiers vers de l’Enfer de Dante : elle est à la fois le lieu de nos angoisses mais aussi celui des célébrations païennes et sacrées, pilier du ciel, comme dans l’esprit des anciens Saxons.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Ses arbres attirants en carton sortent du simple décor. Ils symbolisent tant de valeurs importantes de l’humanité, la paix, la vie, la protection. Une fiction, la réalité des forêts s’efface, elles sont en carton, matériau ambivalent, élevé au rang de majesté et à travers lui, m’apparaît la reconnaissance de la ville vis à vis de la nature qui a senti l’impact de sa présence sur le bitume.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Le carton matière première

Le carton est ainsi le matériau idoine pour représenter la force et la fragilité des forêts. Il est fragile et ductile mais sa densité lui confère une résistance considérable. Il intrigue ainsi par son ambiguïté : il apparaît monotone et monochrome alors qu’il présente d’infinies nuances, par sa variété et sa stratification. L’une des rares matières premières comme elle l’explique au journal Le Monde , 

« (…) qui ne réclament aucun respect. Si ça ne va pas, on détruit. Cela donne la possibilité de se tromper, d’être réactif. Ce qui est beaucoup moins envisageable avec, par exemple, la fonte d’un bronze ! » Eva Jospin (article d’Emmanuelle Lequeux du 16 août 2018)

Les oeuvres sont conçues comme de véritables scénographies. L’artiste pourrait se rêver en décoratrice de théâtre où ses grandes compositions se déploieraient. Une pièce de Gorki vient à l’esprit, les Estivants, jouée par la Comédie française, où les personnages évoluent dans une forêts de bouleaux, inconscients de la catastrophe qui vient.

Les grottes ou les « folies » d’Eva Jospin

Elle parle de ses « folies »,  ses inspirations. L’histoire d’une grotte dessinée à l’encre conquise par les lianes esquissant un monde fantastique. Du béton pour construire des folies du XXIe millénaire, une mise en scène des jardins, l’artiste s’est inspirée de tous ces jardins romantiques, des grottes antiques qu’elle a visités, Eva remet au goût du jour les nymphées (grotte naturelle ou artificielle où coule une source), lieu de refuge pour les nymphes, très en vogue aux XVIIe et XVIIIe siècles, je pense à celle de Piédefer, ou encore celle du Prince de Conti à Auvers sur Oise, que j’ai découverte il y a peu. Les intérieurs y sont richement décorés de mosaïque et de coquillages.  Eva Jospin reprend ces éléments de décors des temps anciens alliant des matériaux modernes pour ses folies qu’elle installe dans un parc entourant ce château incroyable de Trévarez, bombardé pendant la guerre ou cette grotte à Chaumont en ciment sculpté bien cachée dans le sous bois, où la nature peu à peu reprend ses droits, s’emparant de l’oeuvre avec ses ronces, ses lierres…

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Domaine de Trévarez, le rêve de James de Kerjégu

La nymphée du château de Trévarez est une alcôve qui prolonge et parachève le décor voulu par James de Kerjégu. Car tout est théâtral dans ce château édifié pour le prestige politique du président du conseil général du Finistère, par ailleurs député de la circonscription et monarchiste « rallié » à la République d’avant l’affaire Dreyfus. L’architecte des hôtels particuliers parisiens en est le maître d’oeuvre, Walter-André Destailleur, et fait appel à la modernité (charpente métallique, ascenseur, glacière électrique et serres) pour édifier un modèle d’historicisme. La « nymphée » est pensée comme une oeuvre de jardin, sans doute dans l’esprit de ce qu’aurait souhaité le propriétaire du château, au pied d’un jardin d’inspiration italienne et du bassin de la Chasse. Le décor contemporain de cette pièce, en carton, traduit la filiation avec l’artiste tout en prolongeant la main et l’esprit du marquis James de Kerjégu.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Le mythe de la caverne

L’imaginaire raffiné, la grotte est aussi fermée à l’extérieur qu’elle est creuse à l’intérieur. Elle nous fait découvrir le mythe de la caverne cher à Platon : la réalité est-elle ces ombres sur la caverne où le soleil se devine à travers les anfractuosités des parois ?

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Le spectateur peut alors rester songeur, plongé dans ses rêveries de promeneur solitaire, en imaginant le destin de ces grottes petit à petit envahies par la nature telles les temples anciens du royaume khmer d’Angkor.

Florence Briat Soulié

Image may be NSFW.
Clik here to view.

ACTUALITE

SPIRIT NOW LONDON

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Fondé par Marie Laure de Clermont-Tonnerre en 2015, SNL est un club , by invitation only, qui réunit des collectionneurs et des mécènes de l’art et de la culture autour d’évènements exclusifs.Plusieurs fois par mois, des personnalités du monde la culture partagent leurs idées et leurs inspirations, des artistes ouvrent leurs studios, des collectionneurs privés nous font découvrir leurs coup de cœur..Chaque année , SNL soutient une exposition d’un artiste ou une institution.

Biographie / Biography

Vive le vent, Vive le vent, Vive le vent d’hiver

qui s’en va sifflant soufflant dans le grands sapins verts….

Noël arrive…. beaucoup trop vite! Qui n’a eu cette pensée à ce moment précis de l’année? Quel cadeau pour passionner, étonner, faire briller les yeux de nos amis? The Gaze a sélectionné, pour vous, 5 beaux livres, perles rares insolites, pour faire plaisir à vos proches quels que soient leurs goûts…. après tout, à chacun sa passion!

Pour Julie, la passionnée de mode….

« HOMMAGE A ALAIA » PAR AURORE DE LA MORINERIE

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Artiste et illustratrice de mode renommée, Aurore de la Morinerie a mis son talent au service des plus grands noms de la Couture. Son trait est esquissé, ses silhouettes vives et gracieuses. Ce livre « Hommage à Alaia », accompagne l’exposition de la galerie Akio Nagasawa Aoyama, réunissant à Tokyo, une série de monotypes et des aquarelles antérieures, présentées au Musée Galliéra en 2013. Et pour encore plus de plaisir, le livre est commenté par un texte d’Olivier Saillard, ancien directeur du Musée de la Mode de la ville de Paris!

Image may be NSFW.
Clik here to view.

« Hommage à Alaia » par Aurore de la Morinerie, textes Olivier Saillard, Akio Nagasawa Publishing

+ d’information sur le livre Cliquez

Pour l’oncle Charles, l’amateur de Théatre…

« LES LOGES DU FRANCAIS » PAR STEPHANE LAVOUÉ

Si les loges avaient des oreilles…Quelle impression inouïe de pénétrer, grâce aux magnifiques photos de Stéphane Lavoué, dans ces quarante loges mystérieuses, détenant les secrets les plus intimes des célèbres sociétaires. Chacun de ces lieux clos révèle la personnalité de son propriétaire. On imagine Guillaume Gallienne y répétant ses textes, Eric Ruf accomplissant un dernier rituel avant de monter sur scène, on y découvre les objets fétiches d’un tel, le porte-bonheur de telle autre …. Saurez-vous deviner qui sont leurs occupants respectifs ? Un livre captivant.

Les loges du Français, Photographe Stéphane Lavoué, préface Eric Ruf, Editions Gallimard.

+ d’information sur le livre Cliquez

Pour Anatole, qui rêvait d’être architecte…

« THE TALE OF TOMORROW: UTOPIAN ARCHITECTURE IN THE MODERNISM REALM »

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Totalement fou!! Ce livre réunit les créations délirantes d’architectes futuristes qui , entre les années 50 et 80, ont osé donner vie à leur rêves. Des chefs d’oeuvres d’architecture spectaculaires, conçus par des talents renommés ou moins connus.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

The Tale of Tomorrow », Edité par Gestalten sous la direction de Sofia Borges.

+ d’information sur le livre Cliquez!

Pour Laure, férue d’Art…

« LOUISE BOURGEOIS, FEMME MAISON » PAR JEAN-FRANCOIS JAUSSAUD

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Louise Bourgeois rencontre le jeune photographe, Jean-François Jaussaud en 1994. C’est le début de onze années de complicité entre l’artiste et le photographe. Pendant cette longue période, il a pu la suivre, noter ses phrases et dresser ainsi un portrait intime de Louise. De sa petite chambre monacale, à son atelier, immortalisant ses lieux de vie et de création. Ses objets aussi, la table de cuisine qui lui sert également de table de travail, cette même table qu’elle coupe en deux à la mort de son mari Robert Goldwater, rencontré en 1938 dans sa galerie de Saint Germain des Prés. A l’occasion de la sortie du livre ( 2 Octobre 2019), Kamel Mennour exposa les portraits intimes de Louise Bourgeois photographiée par JF Jaussaud.

Louise Bourgeois « Femme Maison », Jean-François Jaussaud , Editions Albin Michel

+ d’information sur le livre Cliquez!

Pour le collectionneur, un livre d’Exception…

LIVRE D’ARTISTES DE JOAN FONTCUBERTA, EDITIONS Take5

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Plus qu’un livre, c’est une oeuvre d’Art ! Le lecteur est invité à s’y plonger tout entier. Prenant la forme d’un livre-miroir, suspendu, il soumet les reflets de nos visages aux déformations des méandres du mercure et de l’or, comme symbole du passage du temps. Y sont abordés les thèmes de la mémoire, la trace, la détérioration des images à travers le temps, et la résilience. Des silhouettes d’arbres en étain, dessinés et incrustés dans le boitier en érable, évoquent ces ramifications du temps. C’est l’artisan Suisse, Jérôme Blanc, qui en a réalisé les dessins.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Trois magnifiques textes, écrits par le poète Franco Roumain Zeno Bianu, l’artiste Espagnol Joan Fontcuberta et Céline Fribourg, ainsi que seize grands tirages (42 cm x 28 cm) photographiques originaux et signés, réalisés par Joan Fontcuberta, illustrent le propos. Exceptionnel!

Pour le lancement de ce livre, les Editions Take5 proposent aux premiers collectionneurs un tirage de tête, avec la création d’un « ex-libris » représentant leur visage, photographié par Fontcuberta et gravé dans le bois par Jêrome Blanc.

Le livre est édité en trente exemplaires. Uniquement sur commande . Pour toute information, contacter Céline Fribourg : ctake5@yahoo.com

Musée Zadkine

PAR CHARLOTTE LE GRIX DE LA SALLE

Est-ce vraiment à une rêverie que nous invite le Musée Zadkine ? Plutot à une plongée. Non, à une exploration.

L’arbre est à la mode.

• Depuis la sortie de La vie secrète des arbres, du forestier et écrivain Peter Wohlleben, en mars 2017, best-seller mondial vendu à près d’un million d’exemplaires, il ne se passe pas un mois sans qu’un livre, une exposition ou un documentaire nous explique l’intelligence des arbres, leur préexistence et leur survivance à l’homme, qui en font des créatures vivantes supérieures, sources d’inspiration et de sagesse.

L’exposition Nous les arbres, à la Fondation Cartier, rencontre un tel succès qu’elle vient d’ être prolongée jusqu’au 5 janvier 2005. C’est un très beau rendez-vous qui réunit artistes, botanistes et philosophes autour de l’arbre mais surtout autour du lien intime que l’on peut tisser avec lui.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

La forêt est un leitmotiv dans l’œuvre de l’artiste russe qui en fait un paysage dense, saturé de couleurs et de traits vifs. Refuge du vivant, du sauvage, du sacré, la forêt représente ce qui échappe aux entreprises humaines de domestication et de rationalisation du monde.

Ce rapport premier aux arbres n’est-il pas d’abord esthétique ? N’est-il pas d’abord une rencontre ?

Pousser la porte cochère de la rue d’Assas, c’est prolonger cette rencontre, cette fois-ci avec l’invitation de se perdre en forêt.

Car en masse, l’arbre exerce alors la fascination, faite d’autant d’enchantement que de peurs et de fantasmes.

Les commissaires Noelle Chabert, directrice du Musée Zadkine et Jeanne Brun, directrice du FMAC (Fonds municipal d’Art contemporain) ont choisi le titre d’une œuvre d’Ossip Zadkine, realisée entre 1943 et 1944, pour interroger le pouvoir paradoxal qu’exerce la forêt sur les artistes depuis la Révolution industrielle jusqu’à notre époque contemporaine.

Pas besoin d’urgence écologique pour comprendre que dès l’apparition des trains mus par le charbon, les peintres, poètes, écrivains et penseurs pressentaient que pour toujours, les frontières entre monde civilisé et monde sauvage seraient brouillées, et peut-être même inversées, qu’il fallait garder un lien, puissant et intime avec la nature, la matière.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Projeté pour la première fois sur le fronton du musée du Jeu de Paume à l’occasion de la Nuit Blanche de 2006, cette vidéo confronte le visiteur au spectacle é d’une chouette surplombant de son regard la place de la Concorde, l’agitation de la ville, les lumières artificielles de la ville.

Animal indompté au cœur de la métropole, cette chouette semble nous demander : mais qu’est-ce qui est le plus étonnant ? Qui regarde et qui est regardé ? Où est le sauvage et où est le civilisé ?

En bas :

Alberto Giacometti

La Forêt, 1950

Au début des années 1950, l’esprit surréaliste est encore présent chez Giacometti, notamment dans les ensembles sculptés à même de larges plateaux.

La Forêt recompose dans le bronze un paysage confondant silhouettes humaines  et mâts végétaux. Cette futaie de formes longilignes évoaue à la fois la dignité et la solitude, la présence et la disparition communes aux arbres et aux hommes.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Une centaine d’œuvres, une quarantaine d’artistes, un parcours en trois temps. Pour pénétrer dans cette foret, il faut d’abord se tenir à « La lisière ». Première partie de l’exposition où il nous est demandé de nous interroger sur cette frontière, est-elle réelle , artificielle, mentale ? celle qui sépare la civilisation du sauvage.

Pour un artiste, il s’agit d’un seuil, d’un rite de passage, Paul Gauguin, André Derain, Pablo Picasso le franchissent pour étancher leur soif de renouveau. Ils la trouvent dans l’expression primitive du corps, dans le travail d’un bois dont ils épousent la logique.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Sculpté à Gosol (Catalogne), ce bois porte l’empreinte des expérimentations plastiques de Picasso entre la fin de sa période rose et le basculement cubiste. C’est en 1906 qu’il découvre les antiquités ibériques du Louvre et le primitivisme de Gauguin, le premier à avoir tout quitté pour revenir aux sources, aux Marquises.

Picasso s’éloigne des règles académiques pour faire confiance aux veines du bois, à sa logique, à ses torsions.

Zadkine lui-même se trouve à la jonction de ces primitivismes.

Le jeune Ossip a grandi dans les forêts de Biélorussie, son « peuple de bois ». Il se promène dans le domaine de son oncle le long de la rivière Duina,  il saisit le moindre bloc de glaise pour y sculpter.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Dicté par la forme originelle du bloc et les accidents du bois, le corps s’enroule autour du tronc massif. La thématique du torse va traverser l’œuvre du sculpteur à partir de 1910, se traduisant par une profonde assimilation entre torse et tronc, humain et arbre, chair et bois.

« Les sculpteurs de ma génération […] et moi-même pouvons être considérés comme les continuateurs de l’antique tradition de ces tailleurs de pierre et de bois qui, partis de la forêt, chantaient librement leurs rêves d’oiseaux fantastiques et de grands fûts d’arbres. » Ossip Zadkine, Civiltà delle macchine, Rome, n°1, 1963.

En arrière plan :

Ossip Zadkine

Tout un peuple de bois, toute une forêt

Déclinaison d’œuvres en acacia, ébène, noyer, poirier etc… réalisées entre 1922  et 1961

L’exploration continue avec « La genèse », plongée pour le moins iconoclaste dans la forêt, à la fois refuge de force vitale et puissance créatrice.

Végétal et animal, création et destruction, masculin et féminin… la forêt n’est pas une somme d’individus, c’est un système complexe, mouvant, fait de liens ; c’est un milieu, un réseau où tous les règnes sont interdépendants.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Figure emblématique de l’art naïf, Séraphine de Senslis déclina sans fin le motif obsessionnel  d’une végétation foisonnante. Admiratrice des vitraux de la cathédrale de Senslis, elle revisite un Eden chatoyant, vision sublimée des origines. Plumes, yeux, feuilles multicolores, les formes et les couleurs s’entremêlent pour traduire la fécondité de la nature.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Obéissant à une conception de la création suivant le modèle naturel de la morphogénèse, les œuvres de Jean Arp veulent réunir tous les règnes dans une forme indistincte. La métamorphose se fige dans un plâtre lisse évoquant à la fois le tronc, les bourgeons, les galets, allégorie de la croissance dont éclot un savant équilibre.

« Nous ne voulons pas copier la nature. Nous ne voulons pas reproduire, nous voulons produire. Nous voulons produire comme une plante qui produit un fruit et ne pas reproduire […] Ces peintures, ces sculptures –ces objets- devraient rester anonymes, dans le grand atelier de la nature, comme les nuages, les montagnes, les mers, les animaux, les hommes », Jean Arp, Jours effeuillés, Poèmes, essais, souvenirs, 1920-1965.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Fusionnant de manière inattendue des organes féminins à des branches d’arbres, Laure Prouvost compose des hybrides épurés. Que devient la féminité lorsque ses organes distinctifs sont attachés à un squelette réduit réduit à l’arbre primordial ? Voici les organes libérés de la domination des corps et de leurs représentation.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

D’un cœur doré surgissent de tortueux rameaux calcinés qui laissent poindre la floraison de délicates feuilles d’olivier. Organe ? Branchage ? Bois de cerf ? Encore une fois, toutes les formes de vie sont reliées, comme une ode à la complexité et à l’éternelle renaissance du vivant.

Avec l’évocation du cycle de la mort et de la vie, de cette incessante destruction et regénération, nous pouvons alors faire le passage…. Il est physique d’abord : nous traversons le jardin. Cet écrin de verdure, caché derrière le Luxembourg, qui abrita la maison et les ateliers d’Ossip Zadkine de 1928 à 1967.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Un passage métaphysique aussi, puisque nous atteignons la dernière salle et étape de l’exposition consacrée au « bois sacré, bois dormant », tout ce que la forêt peut évoquer de religieux, d’effrayant, d’intime, de fantasmagorique. Son mystère.

La forêt, chaos originel, berceau des peurs ancestrales, domicile des esprits les plus effrayants.

La forêt, éternelle et respectable, avec ses pouvoirs thérapeutiques et libérateurs.

La forêt, image de notre psyché.

A la fois paysage et sculpture, cette fonte de bronze à la cire perdue revisite le motif de la forêt, leitmotiv central de l’œuvre d’Eva Jospin. Véritable lisière en dentelle ciselée, pleine d’ombres et de secrets, c’est un panorama à la fois palpable et mystérieux.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Avec son bestiaire de faience ou de porcelaine, Laurie Karp déploie un univers cru, la nature grouillante, bizarre et ambiguë. S’agit-il de plantes ou d’animaux ? Sont-ils mouvants ou pourissants ? Inoffensifs ou dangereux ? Dévorés ou dévorants ?

Profusion, époques croisées, œuvres rares et singulières : l’exposition n’a rien d’une ballade ou d’une rêverie et l’on regrettera presque sa densité.

Pour retrouver le lien organique à la forêt, ce rapport intime, instinctif, on se laissera porter par l’extraordinaire travail sonore de Jean-Luc Hervé et d’Ariane Michel qui accompagnent nos pas.

Image may be NSFW.
Clik here to view. Version française

by Joshua Lacoste , Vassar-Wesleyan Program in Paris Fall 2019 & Florence Briat Soulié

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Thanks to the artist & illustrator RODNEY VAN DEN BEEMD for his drawing http://www.rodneyvandenbeemd.nl/en/

Cluny museum, national museum of middle ages « sens dessus dessous  » Cinq sens, un écho à la Dame à la Licorne »

https://www.musee-moyenage.fr/collection/oeuvre/la-dame-a-la-licorne.html

To see also : Musée de Cluny – L’art de la broderie au Moyen-âge – Informations

Until 20 January 2020

The Cluny Museum in Paris is one of the most famous medieval museums in the world.  The museum has many wonderful artifacts from the Middle Ages and has wonderful architecture. The main exhibit at the museum is La Dame à la Licorne, a beautiful collection of six tapestries with an interesting backstory. The tapestries were meant to be viewed in a specific order, with each tapestry taking you further into the spiritual world than the previous one.  The first tapestry is touch, since this is the most physical of the five senses. Next is taste, smell, olfactory, and finally sight.  The last tapestry is considered to be a sixth sense. As of now, it has been given the name My Only Desire since this is written on the tent behind the woman. The museum was a lovely experience, and if you have the opportunity you should check out the tapestries in person.

Takashi Murakami

Galerie Perrotin – Takashi Murakami – Informations

Too late !

At the Perrotin gallery, on December, was a collection of works done by Takashi Murakami. Here we could  see his various artistic styles and the methods he uses to create his art.  All of these works of art are available to be purchased, however, they are not for the faint of heart. Murakami is a world renowned artist and many art lovers all over the world would love the opportunity to see his art in person.

Hans Hartung la fabrique du geste

Hans Hartung – Musée d’art moderne de Paris – Informations

Until 1 March 2020

See previous article Hans Hartung

At the Museum of Modern Art in Paris, there is currently an exposition dedicated to the artist Hans Hartung (1904-1989) .  Early on his career he experimented with abstract watercolors, and slowly progressed into using charcoal and red-chalk drawings.  He was a strong admirer of Rembrandt and Goya, and imitated their styles. In the 1930’s he was an admirer of cubism, and anchored his art in repetition.  Later he opened his styles to be defined in his own way, and his artwork near the end of his career composed of black bars and calligraphic elements.

The modern times from Seurat to Matisse

Félix Fénéon – Musée de l’Orangerie – Information

Until 27 January 2020

At the musée de l’orangerie, the exposition about Félix Fénéon (1861-1944) is truly incredible.  Not only are there many of his most famous masterpieces, but work by similar artists can be found including that of Seurat, Signac, Luce and Van Rysselberghe. As an anarchist, art critic, writer, editor, gallery director and collector, Felix Fénéon was a major player in the arts world at the end of the nineteenth century and the start of the twentieth.

Modern Maharaja, a patron of the arts in the 30s

Image may be NSFW.
Clik here to view.

Musée des Arts Décoratifs MAD Paris – Modern Maharaja – Informations

Until 12 January 2020

Modern Maharaja, a patron of the arts in the 30s. The Musée des Arts Déco presents the universe of Yeshwant Rao Holkar II: the Maharajah of Indore, his portrait was painted by Bernard Boutet de Monvel and was sold at an auction by Sotheby’s for the record price of € 2.499 million. The furniture had already been sold by this same auction house in 1980 in Monaco.

The is a wonderful story of a young couple who was passionate about the construction of this artwork that was created between 1929 and 1934 under a complicated political context during the rule of the British Empire. It was one of the last to be abdicated after their departure. His meeting with the collector and man of letters Henri-Pierre Roché author of Jules and Jim was the starting point of an adventure of modern times, avant-garde in traditional India, he introduced Jacques Doucet to whom the Maharajah returns visit, he will keep an exceptional memory and confirm his will to build a very contemporary palace. The Maharajah built the Manik Bagh palace, which was very modern at the time, just after the crisis of 29, a boon for the architect Eckart Muthesius (1904-1989) and the artists who contributed to this project. Louis Sognot, Jean Puiforcat, Eileen Gray, Le Corbusier … they were a modern, fascinating couple, both very beautiful, and they were photographed by Man Ray. We can watch with pleasure all these intimate photos that retrace their history, sometimes surprisingly, the photographer captures the couple contemplating a work of art.

Another extraordinary character is Ivan Da Silva Bruhns (1881-1880), a self-taught artist, inspired by Cubism, he produced sumptuous rugs with abstract patterns.